Bella Ciao: una cancion y su historia

por Aquila Blinker

Hay canciones que permanecen en el corazón o en la mente. Esto se debe a que las asociamos con momentos personales importantes. Así que solemos cantar Bella Ciao el 25 de abril porque nos recuerda la guerra partidista y la resistencia al régimen fascista. ¿Estamos seguros, sin embargo, de que esta canción era realmente parte de la tradición partidista? Durante algunas décadas ha sido parte de la historia de Italia y de cada uno de nosotros. Pero, ¿quién la cantó? ¿Y por qué la escuchamos en cada plaza con motivo del 25 de abril cuando incluso las escuelas están cerradas? En cuanto a nuestro país, parecería que nadie la cantó antes del 45. Porque en ese momento la canción más querida por los partisanos era "Whistle the wind", pero era demasiado "comunista". En primer lugar, se injertó en el aire de una canción soviética de 1938, dedicada a la hermosa Katiuscia y las palabras entonces no se prestan a malentendidos.  Bella Ciao comenzó a cantarse en los años 50 del siglo pasado durante los Festivales Mundiales de la Juventud Democrática que se organizaron en numerosas ciudades europeas.

 

En estas circunstancias, fue cantada primero por los delegados italianos y, luego, la popularidad de la canción aumentó en los años 60, comenzando a popularizarse con motivo de las manifestaciones estudiantiles y obreras del 68. Sobre sus orígenes hay varias versiones. Los más acreditados lo asociarían con el folclore de la campiña ucraniana e yiddish, donde cobró vida a partir de una composición de 1919 a manos de Mishka Ziganoff, una judía ucraniana: En Estados Unidos habría habido al menos otras dos grabaciones: una de 1921 de Abraham Moskowitz y otra de 1922 de Morris Goldstein. La canción que conocemos como "Bella Ciao" es en realidad la grabación de 1919 de Mishka Ziganoff, una judía ucraniana de Odessa de la canción "Koilen". Leyendo el texto del pasaje, palabras de libertad, de la lucha contra todo extremismo y dictadura, saltan inmediatamente a la vista. El contenido de la canción, que se ha convertido en un símbolo de la lucha de la Resistencia en Italia, está separado de cualquier referencia política o religiosa específica. Las palabras nos dicen principios y valores bastante universales en los que todos, independientemente de cualquier momento histórico, pueden identificarse. El invasor del que se habla desde el principio se puede identificar con cualquier invasor, en cualquier momento de la historia. Precisamente por su capacidad para comunicar principios universales e ideales de libertad absoluta, "Bella Ciao" fue y sigue siendo una de las canciones populares más conocidas y traducidas del mundo. De ahí su indiscutible actualidad, de ahí la necesidad de recordarlo para las generaciones más jóvenes, que deben entender cuáles son los valores importantes de nuestra vida cotidiana.

Patti Smith: la sacerdotiza del rock

por Aquila Blinker

La heroína de la pequeña Patti Smith en su lugar de nacimiento en Chicago fue Maria Callas. Dicho esto, ya no debemos tener ninguna duda sobre las habilidades de un cantante que ha entrado en el corazón de millones de fans y cuya estatura artística aún representa la mejor síntesis entre habilidades musicales y melódicas, estrechamente ligadas a la evolución instrumental que ha tenido el mundo de la música. Diríamos que estamos frente a un icono del rock. Esto se debe a que después de ella nadie ha podido cambiar o recrear nada. Las madres de los cantautores son Joan Baez y Joni Mitchell, pero ella era otra cosa. Patti Smith es una artista única, completa, extraordinariamente talentosa, y durante su larga carrera ha cruzado todas las formas de arte, dejando una huella indeleble en cada expresión. Cantautora, poeta, fotógrafa, pintora y escultora, es apodada con razón la "sacerdotisa" del rock. Venció a todos al tiempo: su álbum de 1975 Horses anticipó los temas del punk y creó una combinación perfecta de rock y verso. Atraída desde pequeña por los grandes espíritus malditos del rock como Jim Morrison, Lou Reed, Janis Joplin y Bob Dylan, logró formar parte de la llamada intelectualidad neoyorquina y conocer a algunos de ellos. Bob Dylan también se convirtió en un gran amigo suyo, además de ser una fuente de inspiración. Horses, en 1975, representó en su gran debut. Producido por el sello discográfico Arista con la colaboración de John Cale, sigue siendo considerado un hito en la historia de la música porque ve el movimiento punk, no solo desde un camino cultural.

 

 

La portada del álbum es una foto tomada por Robert Mapplethorpe que contiene la referencia a una obra de Frida Kahlo. La canción del álbum Gloria de Patti Smith, retomó la de Van Morrison cambiando, sin embargo, la letra en clave punk. Los fanáticos del rock estaban literalmente emocionados, llamándolo "el mejor sonido de garaje de los años setenta" y afirmando que Smith había tomado los poemas de Rimbaud, Burroughs, Thomas y Velvet Underground creando una gran obra maestra que sabía cómo entrar en la sangre de los oyentes. Los álbumes de los años siguientes fueron desestimados como derrames sentimentales y autocomplacientes debido a la falta de la vena metálica y el lenguaje directo e inmediato de Horses. Y el álbum trajo a la historia del rock un nuevo lenguaje musical: una especie de mezcla de actuación y música de "forma libre", en la que el texto se convirtió en el punto de partida, pero nunca en un límite; de hecho, a menudo es el vehículo que permitió que las canciones se expandieran y se expandieran constantemente dando paso a un análisis profundo de una sociedad cambiante. En la portada, Smith citaba a Frank Sinatra. Un cartel perfecto, como muchas de sus imágenes. Solíamos decir "Gloria", una versión de Them de Van Morrison. Un poema inédito que estaba ambientado en el blues original. La voz es hermosa y poderosa, pero a lo sumo gruñe. El credo cristiano encuentra en Smith un intérprete profanador: "Jesús murió por los pecados de otra persona, no por los míos" y "Mis pecados son solo míos: me pertenecen. Sensible e inteligente, Patricia Lee Smith siempre ha preferido la rutina de su Chicago y los versos de Arthur Rimbaud el poeta y dramaturgo francés que tanto ha influido en su obra y en su vida. De ahí que creara la fusión revolucionaria entre las palabras en libertad y los sonidos aún más libres. Cantó los delirios y éxtasis de una generación, relató la degradación de los guetos urbanos y la desesperación glacial de las metrópolis, y a menudo rindió homenaje a figuras icónicas como las de Allen Ginsberg y Jack Kerouac ayudándonos a entender o dándonos detalles de un malestar que en su momento apenas veíamos, pero que hoy forma parte de nuestra sociedad.

Victor Jara: la resistencia a la dictatura

por Aquila Blinker

"... Soy un trabajador de la música, no soy un artista. El país y el tiempo dirán si soy artista. En este momento soy un trabajador, un trabajador que tiene la conciencia de ser parte de la clase trabajadora que lucha por construir una vida mejor", dice Víctor Jara de sí mismo aproximadamente un mes antes de su asesinato. Criado en una familia pobre, obligado varias veces a cambiar de ciudad para sobrevivir. Además de la música y el canto, Victor también descubrió el amor por el teatro, la actuación y la realización de numerosas actuaciones. En 1960 puso en escena La Mandragora de Maquiavelo como director y más tarde trabajó con autores como Bertolt Brecht, Raúl Ruiz, Alessandro Sieveking y Peter Weiss. Desde 1961 como director artístico también trabajó en Holanda, Francia, Unión Soviética, Checoslovaquia y conoció a su futura esposa, Joan Turner. Mientras tanto, se embarcó en una carrera política como militante del Partido Comunista de Chile. Miembro de la Chilena Nueva Canción, movimiento cultural y musical marcado por el redescubrimiento del folclore popular, el 11 de septiembre de 1973, día del golpe de estado de los generales bajo Pinochet, Víctor se encontraba en la universidad.   Fue detenido y su destino fue similar al de los otros desaparecidos chilenos.  Tras ser secuestrado, fue escoltado dentro del estadio de Santiago de Chile. "... ¿Eres Víctor Jara, el cantautor marxista, el cantautor de mierda?" Las crónicas cuentan que a la pregunta le siguió un golpe en el hombro dado con la culata del fusil por un soldado. Víctor cayó al suelo, el oficial continuó golpeándolo violentamente en el pecho, la cabeza y la cara. Para detener la paliza estaban los ojos de los cientos de detenidos que presenciaron la escena. Le rompieron las manos a Jara y se burlaron de él pidiéndole que cantara sus canciones. A pesar del insoportable dolor y violencia que sufrió, Víctor cantó una canción, la del Partido unidad popular. En unos momentos fue brutalmente asesinado a tiros, ejecutado. Era el 15 de septiembre de 1973. Unos días después su cuerpo fue encontrado en la calle, con signos de tortura por todo el cuerpo, alcanzado por más de cuarenta disparos y todo terminó con un golpe en la cabeza. Jara fue uno de los más de 3.000 opositores políticos y partidarios del presidente Allende torturados y asesinados entre 1973 y 1980. Víctor Jara legó una gran colección de canciones. Todas llenos de amor por el pueblo chileno, retratados como sencillos y trabajadores: muchos son ataques contra las injusticias sociales y los escándalos políticos. . El juicio celebrado cuarenta y cinco años después de la muerte de Jara, vio en el banquillo de los acusados, a muchos carceleros ahora envejecidos a quienes el Plan Cóndor Americano había dado hasta entonces una oficina de registro y una nueva vida a pesar de una justicia política que en América del Sur era en el pasado algo muy preciado y difícil de recuperar y hoy parecería estar parcialmente recuperado... De Jara recordemos esas pocas palabras....

El derecho de vivir sin miedo en nuestro país

En conciencia y unidad con toda la humanidad

Ningún cañón borrará el surco de la hermandad

El derecho de vivir en paz

Con respeto y libertad (libertad)

Un nuevo pacto social

Dignidad y educación, que no haya desigualdad

La lucha es una explosión que funde todo el clamor

El derecho de vivir en paz

(¡Viva Chile Mierda!)

Es la paz nuestra canción

Es fuego de puro amor

Es palomo palomar, olivo del olivar

Es el canto universal

Cadena que hará triunfar

El derecho de vivir en paz

(La-ra-ra-ra, la-ra-rá)

(La-lá, la-la-ra, ra-rá)

(La-ra-ra-ra, la-ra-rá)

(La-lá, la-la-ra, ra-rá)

Es el canto universal

Cadena que hará triunfar

El derecho de vivir en paz (en paz)

El derecho (el derecho) de vivir en paz (en paz, en paz, en paz)

El derecho de vivir en paz

El derecho de vivir en paz

Blowin in the wind - Soplar en el viento

por Aquila Blinker

 

Considerado el manifiesto de la generación de jóvenes estadounidenses desilusionados por la política llevada a cabo en los años cincuenta y sesenta por su país y que dio lugar a la Guerra de Vietnam, Blowin' in the Wind es la canción que por excelencia nos lleva a enfrentarnos a la guerra. Obviamente el contenido es pacifista y cuenta los horrores. ¿Tendrá el hombre común que lidiar con las consecuencias de la guerra? Obviamente sí porque siempre es la población la primera víctima. Bob Dylan se pregunta: "¿Cuántas veces un hombre tiene que mirar hacia arriba antes de poder ver el cielo?" Y cuántos caminos tendrá que recorrer un hombre antes de que pueda ser considerado un hombre, cuántas playas tendrá que ver una paloma antes de que pueda descansar en la arena y cuántas veces las balas de cañón tendrán que volar antes de que se borren. Entre metáforas y paralelismos, Dylan aborda temas violentos como la guerra y la muerte con un tono tranquilo y calmado, pero ciertamente como el dolor y la violencia que han regresado a las noticias en estos días. Dylan nos habla de la guerra, pero habla de bombas y armas, prefiere centrarse en las víctimas, que nunca olvidarán el dolor y la violencia. Cuando Dylan comenzó a escribir la canción en 1962, Estados Unidos estaba en guerra con Vietnam y Robert (Bob) era un joven de Minesota que buscaba fortuna en Nueva York, y  que tardó unos diez minutos en componer la canción. A las palabras añadió la melodía y la música de una vieja canción de esclavos, No More Auction Block, que celebraban su liberación en Gran Bretaña en 1933. La canción de esta primera edición cuenta con solo dos versos que Dylan no pudo leer tanto como para tener que improvisar. Después de un largo robo, la canción fue completada y grabada el 9 de julio de 1962, para incluirla en su segundo álbum The Freewheelin' Bob Dylan, lanzado en mayo de 1963. A lo largo de los años esta canción ha tenido numerosas reelaboraciones (covers), tanto en versión acústica como en ritmo rock, por parte de diferentes grupos y cantantes de todo el mundo. Hecho suyo por los exponentes del movimiento beatnik (los llamados niños de las flores) a menudo se tocaba, y todavía lo es, en las escaleras y a lo largo de los pueblos artísticos de las principales metrópolis del mundo. El trío Peter, Paul & Mary la volvieron a cantar, así como Joan Baez y una versión italiana traducida por Mogol y cantada por los Reyes, Luigi Tenco y también grabada por Milly en su álbum doble D'amore e di libertà. Aunque no es exactamente una canción religiosa, Blowin' in the Wind también ha sido adoptada por muchas asociaciones religiosas católicas y protestantes. En 1997, Bob Dylan interpretó la canción (junto con otras tres) frente al Papa Juan Pablo II, quien le dijo a la multitud de 300,000 jóvenes católicos que la respuesta era en realidad "en el viento", no en el viento que hace que las cosas vuelen, sino más bien "en el viento del espíritu" que conduce a Cristo. En 2007, el Papa Benedicto XVI (que estaba entre los espectadores en ese momento) escribió cuánto desaprobaba que estrellas de rock como Dylan pudieran actuar durante las asambleas de la iglesia. Con razón Blowin' in the Wind, representó un punto importante para la popular canción de denuncia que reclamó en los años sesenta espacio de propuesta que obtuvo así como para las canciones, especialmente para sus intérpretes: Joan Baez y sobre todo Bob Dylan, Premio Nobel de Literatura 2016.

 

https://youtu.be/qIB0OJcbNEI

 

 

How many roads must a man walk down
Before you call him a man?
How many seas must a white dove sail
Before she sleeps in the sand?
Yes, and how many times must the cannonballs fly
Before they're forever banned?
The answer, my friend, is blowin' in the wind
The answer is blowin' in the wind
Yes, and how many years must a mountain exist
Before it is washed to the sea?
And how many years can some people exist
Before they're allowed to be free?
Yes, and how many times can a man turn his head
And pretend that he just doesn't see?
The answer, my friend, is blowin' in the wind
The answer is blowin' in the wind
Yes, and how many times must a man look up
Before he can see the sky?
And how many ears must one man have
Before he can hear people cry?
Yes, and how many deaths will it take 'til he knows
That too many people have died?
The answer, my friend, is blowin' in the wind
The answer is blowin' in the wind

 

Cuantos caminos una persona debe de caminar
Antes de que lo llames un hombre?
Cuantos mares una paloma blanca debe de navegar
Antes de que duerma en la arena?
Cuanto tiempo tienen que volar las balas de cañon
Antes de que sean prohibidas para siempre?
La respuesta, mi amigo, esta soplando en el viento,
La respuesta esta soplando en el viento

Cuantos años puede existir una montaña
Antes de que este descolorida por el mar?
Cuantos años puede la gente existir
Antes de que se les sea permitida la libertad?

 

 

Black Sabbath: la historia de la heavy metal

por Aquila Blinker

 

Black Sabbath es un grupo británico de heavy metal, formado en Birmingham en 1968. La formación "histórica" es la formada por Ozzy Osbourne (voz), Tony Iommi (guitarra), Geezer Butler (bajo) y Bill Ward (batería). y permaneció así desde 1969 hasta 1978.

Posteriormente, hubo numerosos cambios en el personal de la banda e Iommi siguió siendo el único miembro permanente. Se considera que Black Sabbath se encuentra entre las primeras bandas de heavy metal de la historia y también ha contribuido mucho al desarrollo del género. De 1970 a 2010 vendieron más de 100 millones de discos en todo el mundo. También están considerados entre los principales influencers de todo el heavy metal y fueron fundamentales en el nacimiento de su subgénero del doom metal, y en 2003 ocuparon el puesto 85 en la lista de los 100 mejores artistas de Rolling Stone, 3 de sus álbumes se incluyeron en 500 de òRolling Stone. Lista de mejores álbumes, que serían Master of Reality (puesto 298), Black Sabbath (puesto 241) y Paranoid (puesto 130). Su consagración final a la historia de la música tiene lugar en 2006 cuando ingresan en el prestigioso Salón de la Fama del Rock and Roll. Algunos creen que Black Sabbath es la mejor banda de heavy metal de todos los tiempos.  La historia comenzó cuando el guitarrista Anthony "Tony" Iommi y el baterista William "Bill" Ward (ambos de "Mithology") encontraron un anuncio de un cantante en una tienda de discos ("Ozzy Zig está buscando una banda. Tiene su propia amplificación. . ") que estaba buscando miembros para formar una banda. El cantante principal era John "Ozzy" Osbourne, quien, dicho sea de paso, había sido un acérrimo rival de Iommi en la escuela. Iommi y Ward fueron a la casa de Ozzy y decidieron formar una banda. Osbourne trajo a otros dos músicos que habían tocado con él en el grupo "Rare Breed": los guitarristas Terence "Geezer" Butler y Jimmy Phillips.

 

Más tarde, Butler asumió el papel de bajista y también se contrató al saxofonista Alan "Aker" Clarke. El grupo eligió inicialmente el nombre "Polka Tulk Blues Band", luego acortado a "Polka Tulk", y comenzó a construir un repertorio, principalmente blues. Más tarde, Clarke y Phillips dejaron el grupo y los miembros restantes decidieron cambiar su nombre a "Tierra". La formación actuó en varios lugares tocando versiones de Jimi Hendrix, Blue Cheer, Beatles y Cream, y grabó su primera maqueta en 1968. Tuvo cierto éxito en el circuito de pubs británico y permitió que el grupo se hiciera un nombre en el extranjero, principalmente en Alemania, gracias también al ingenio del gerente Jim Simpson.

Las obras maestras de Paranoid (1971), Paranoid, War Pigs y Iron Man, aprovecharon los pulsos subsónicos del bajo y el ritmo de dinosaurio de la batería. El heavy metal nació con Iron Man. Más original pero Planet Caravan. Aunque parecían más dignas de una caricatura que de una historia de la música occidental, esas canciones habían introducido un elemento relativamente nuevo: la melodía, el canto y la guitarra eran insignificantes en comparación con el elemento rítmico. Los propios riffs gigantescos de Iommi estaban destinados principalmente a ralentizar la cadencia, no a acompañar la melodía. Los Black Sabbaths fueron un asalto continuo a la tradición culta de la civilización occidental y una exaltación continua de la barbarie y el primitivismo. Fueron odiados por casi todo el mundo: por los hippies (de los cuales representaban exactamente la moral opuesta), por los rockeros (que estaban horrorizados por su escasez técnica), por los cantautores (que escribían letras mucho más significativas). Pero el adolescente promedio no tenía ni la cultura ni la vocación para juzgar la música de Black Sabbath y, en general, su simplicidad armónica representaba una forma de atractivo colectivo mucho más fácil de entender que los poemas sinfónicos de King Crimson o las partituras psicodélicas de Pink Floyd. Los fanáticos de Black Sabbath eran sucios y malos, pero en realidad escuchaban Black Sabbath por la misma razón por la que la generación anterior de adolescentes (limpios y buenos) había escuchado a los Beatles: su música era la más fácil de escuchar. Escuchar su música era un simple acto de ritualismo colectivo que no requería cultura ni inteligencia. Pero, a diferencia de los fanáticos de los Beatles (que en el mejor de los casos se convirtieron en cantantes de música pop), los adolescentes que se identificaban con la "facilidad" de la música de Black Sabbath eran los mismos que formarían bandas de rock: Black Sabbath estaba propagando un virus alienígena, el de los heavy metal.

 

La historia de la lesión en el dedo de Tony Iommi se conoce desde hace años y pasò como legenda. El guitarrista tenía 17 años y trabajaba en una fábrica de chapas cuando un día lamentablemente perdió las falanges superiores de los dedos medio y anular de su mano derecha. Debido a este trágico suceso, el músico cayó en una depresión porque temía tener que renunciar a su sueño de tocar. Más tarde, sin embargo, gracias a su gran pasión por la música y su ingenio, logró encontrar una solución a su problema. Cuando tuve ese accidente me di cuenta de que tenía que hacer algo porque me dijeron que nunca más podría volver a tocar - dijo Iommi - Consulté a varios médicos y todos me dijeron 'Será mejor que lo dejes pasar'. Pero no lo podía aceptar, tenía que buscar una solución para seguir jugando. Entonces comencé a hacer púas con una botella de plástico. Derretí el plástico e hice un agujero en el medio, luego lo modelé con mis dedos y luego continué refinándolo durante semanas para asegurarme de que cubriera los dedos de la manera correcta.  Al final cubrí estos puntos con cuero para agarrar las cuerdas de la guitarra - continuó - fue un procedimiento bastante largo, pero funcionó. El siguiente paso fue hacer un juego de cuerdas delgadas con un grosor mínimo. Los creé inicialmente usando cuerdas de banjo. Básicamente, creé mi propio juego de cuerdas extra ligeras, para que pudieran satisfacer mis necesidades. Una vez más tomó mucho tiempo encontrar las cuerdas adecuadas, capaces de mantener la afinación a pesar de su mínimo grosor ”. Una vez resueltos los problemas "técnicos", Tony Iommi se encontró entonces enfrentando a los que le preocupaban más directamente: "El problema era el tacto, porque obviamente ya no sentía nada - explicó - tuve que acostumbrarme a todo esto y me tomó mucho tiempo. Más tarde, muchos años después, propuse a algunos fabricantes de cuerdas de guitarra hacer cuerdas más delgadas que las existentes. Pensé que nunca funcionaría, pero al final una empresa de Gales me dijo que los produciría. Y así fue como crearon las primeras cuerdas extra ligeras de la historia ”.

David Bowie: el Duke blanco

 

Por Aquila Blinker

David Bowie fuè el Duke blanco y tambien un genio de la musica. Cincuenta años de carrera en nombre de la metamorfosis, del incesante deseo de viajar y adelantarse a los tiempos: "El tiempo puede cambiarme, pero no puedo rastrear el tiempo" ("Cambios", 1971) siempre ha sido el su credo. Un genio Pero el transformismo es sólo la más sorprendente de las artes de este dandy indescifrable, la encarnación de todas las fascinaciones y contradicciones del rock y, en última instancia, de la propia sociedad occidental. Nadie como él ha sabido desenmascarar los tópicos del estrellato, la relación morbosa pero también hipócrita entre ídolos y fans, el falso mito de la sinceridad del rockero, el absurdo de la supuesta distinción entre arte y comercio. Bowie también fue uno de los primeros músicos en concebir el rock como un "arte global" (¿arte pop?), Abriéndolo a la contaminación con el teatro, el music hall, el mimo, la danza, el cine, los cómics, las artes visuales. Con él, cualquier frontera entre la cultura "alta" y la "baja" desaparece. Porque, según su propia feliz definición, "son Nijinsky y Woolworth juntos". Es gracias a sus espectáculos que el escenario del rock se viste de decorados apocalípticos, con una estética decadente y futurista a la vez, legado de filosofías literarias y cinematográficas, pero también del street art de mimos y payasos. Y en el campo musical su impronta ha sido fundamental en la evolución de géneros dispares como el glam-rock, punk, new wave, synth-pop, dark-gothic, neo-soul, dance, por la misma admisión de muchos de sus protagonistas. exponentes.

 

Pero Bowie es también la prueba definitiva de que la crítica del rock es una ciencia inexacta. Nadie como él ha hecho reñir a la crítica. Hoy, en los albores de un nuevo milenio, quedan muy pocos para disputar su papel de innovador y precursor del rock porque Bowie está entre los mitos más queridos, pero también entre los más odiados de la música. popular contemporánea. Es difícil metabolizar su actitud de prima donna altiva, pero sobre todo su heterodoxia respecto a los dictados sagrados del rock: su uso sin escrúpulos de la imagen, su artificialidad ostentosa, su deseo de ser una artista de vanguardia que se vende a sí mismo al público como una estrella de Broadway. Space Oddity (1969)

Lo había escrito para uno de sus proyectos multimedia, la película Love You Til 'Tuesday, inspirada en 2001: A Space Odyssey de Kubrick. Entonces la gerencia le propuso convertirlo en el single de apertura de su segundo álbum: el 20 de julio de 1969 estaba programado para aterrizar en la luna. La canción fue lanzada el 11 de julio y la BBC la utilizó como fondo para los reportajes sobre el alunizaje, decretando su éxito a pesar de que el texto no es precisamente el ideal para acompañar tan triunfalista empresa: es la historia de Major Tom , un astronauta que se pierde en el espacio. También hay una versión italiana, Boy only girl alone, con texto de Mogol y voz de Bowie, nada cósmica.

¿Vida en Marte? (1971)

¿De qué trata esta obra maestra, grabada con la ayuda de Rick Wakeman (legendario teclista de Yes) y un crescendo orquestal que hace referencia a Así habló Zaratustra? No se trata de viajes espaciales o planetas misteriosos. En el texto Bowie menciona a John Lennon, Mickey Mouse, Ibiza, el himno patriótico Rule Britannia. Un mosaico de imágenes yuxtapuestas para contar la frustración de una joven que busca refugio en la televisión y en los medios de comunicación para escapar de la melancolía de su vida y la de su familia. ¿Y la vida en Marte? era el título de un programa de televisión de los años sesenta

El hombre que vendió el mundo (1970)

Título de la pista del álbum homónimo, la canción está inspirada en el cuento Antogonish de Hughes Mearns. Bowie lo escribió después de que su teléfono sonara a la misma hora durante toda una semana: por otro lado, nadie hablaba. Perdido en el budismo tibetano y el ocultismo de Aleister Crowley y H.P. Lovecraft, Bowie se convenció de que el autor de las llamadas telefónicas era su difunto padre, que intentaba comunicarse con él desde el otro lado. La voz del artista se modifica para crear una atmósfera fantasmal. Nirvana lo repitió en su famoso Unplugged, dándole una popularidad que nunca había tenido: muchos jóvenes fans de la banda de Cobain estaban convencidos de que lo habían escrito estos.

Starman (1972)

Ziggy Stardust apareció por primera vez en televisión en Top Of The Pops el 5 de julio de 1972, cambiando para siempre la historia de la música y el vestuario. El peinado protopunk, un mono con los colores del arcoíris, una guitarra azul eléctrica: el extraterrestre glamoroso había caído a la Tierra. La canción anuncia la llegada de un hombre de las estrellas encargado de salvar al mundo de su inminente fin (el disco Ziggy Stardust era una especie de concepto que giraba en torno a este tema). Bowie admitió de inmediato que se inspiró en el coro de Somewhere Over The Rainbow (El mago de Oz). Fue la última canción grabada para el álbum, pero también es una de las canciones clave de todo el rock de los 70.

Fame (1975)

En enero de 1975, Bowie acababa de terminar de grabar Young Americans, el récord de su conmovedor avance. En A Party, accidentalmente conoció a John Lennon y lo invitó al estudio: quería grabar una nueva versión de Across The Universe de The Beatles con él. Entre ensayo y charla, los dos y el guitarrista Carlos Alomar comenzaron a improvisar. Salió un sencillo que le permitió a Bowie alcanzar el número 1 en los EE. UU. Por primera vez. Lennon comentó: "No puedo creer que la gente baile con mis discos, pero, honestamente, mi R&B es profundamente falso".

Héroes (1977)

Huido de Los Ángeles en busca de inspiración y, sobre todo, desintoxicación de la cocaína, Bowie había aterrizado en Berlín con Brian Eno.

DJ (1979)

Una de las canciones más famosas del álbum Lodger, adornada con la guitarra de Adrian Belew (King Crimson y mucho más). Una de las muchas ideas de Bowie: el disc jockey que gana el estatus de estrella. "Soy lo que juego y tengo fieles que creen en mí".

Ashes To Ashes  (1980)

La electrónica depurada, la atmósfera alienante y la brillante melodía hicieron de esta canción el manifiesto de una generación: el universo alienado de la nueva ola fue reconocido en el Pierrot post-atómico del video y en su andar que parece ignorar las muchas figuras que se hacen a su alrededor. Una sensación de soledad también subrayada por la cita del Mayor Tom, más de diez años después de su aparición en Space Oddity: "Sabemos que es un adicto a las drogas". Alienación distópica.

Let's dance (1983)

Fue necesario un giro de baile para transformar permanentemente a Bowie en una estrella mundial (seis millones de álbumes vendidos). Para tener éxito en la empresa, se convocó a Nile Rodgers de The Chic, a quien se le encomendó una misión inequívoca: "Hacer que este material sea lo más comercial posible". Dicho y hecho: el mundo entero bailó las canciones de este disco y Let's Dance en particular. Entre los muchos méritos del White Duke también está el descubrimiento de Stevie Ray Vaughan: el solo de guitarra de la canción es suyo.

Ska: musica entre Jamaica y America

 

Por Aquila Blinker

Musica SkaSka (también conocido como Bluebeat), es un género musical nacido en Jamaica entre las décadas de 1950 y 1960. En realidad había habido un acercamiento a un tipo de música acústica llamada Mento, nacida de la fusión entre el ritmo de canciones africanas y europeas, pasaba mucho entre los años 40 y 50 y se solía tocar en las calles, con instrumentos fácilmente transportables, como la guitarra, el banjo, el piano africano (kalimba) y los bongos, similar al estilo caribeño de la rumba. 'Dis Long Time Gal', 'Water Come a Me Eye' y 'Banyan Tree' ya tenían algo de Ska. Si el mentón era popular entre las clases bajas, la población de clase media de Kingston estaba más acostumbrada al jazz estadounidense e inglés en la década de 1930. Los profesores de ABCS incluyeron el jazz en sus planes de estudio. Muchos músicos jamaicanos reconocidos se formaron en ABCS, incluidos Tommy McCook, Don Drummond y Rico Rodríguez. Al finalizar sus estudios, muchos exalumnos de ABCS comenzaron a tocar en las grandes orquestas de jazz, bajo la influencia de estrellas estadounidenses como Duke Ellington y Count Basie. Durante la segunda mitad de la década de 1950, en la capital de Jamaica, Kingston, deambulaban grupos de chicos llamados "Rude Boys" ("chicos rudos", "agitadores"), o agrupaciones de jóvenes, a menudo amantes de la violencia, que luego se convirtieron en los protagonistas de numerosos éxitos de géneros musicales nacidos en Jamaica: ska, reggae y rocksteady. El pueblo jamaicano amaba la música de esa época (especialmente la American Rythm & Blues), pero no podía permitirse el "lujo" de participar en los conciertos de todos aquellos artistas que, poco a poco, empezaron a incluir a Jamaica en sus tournées.Y así nació Ska: personajes como Tom The Great Sebastian (considerado el inventor de los soundystems), King Edwards, entre otros, lanzaron la moda de SoundSystems, es decir, discotecas itinerantes que llevaron la música a las calles y guetos, para que lo pudieran escuchar todas aquellas personas que no podían permitirse asistir a un concierto. Cabe destacar que había mucha competencia entre los diferentes sistemas de sonido, hasta tal punto que empezaron a grabar sus propias pistas sin imprimir el nombre en los vinilos, para aprovechar la competencia, impidiendo así que vieran quienes eran, jugando y posiblemente robando el material. Personajes como "Coxone" Dodd (seudónimo de Clement Seymour) y Duke Reid (seudónimo de Arthur Reid), eran conocidos precisamente por quitar las etiquetas de los discos que compraban durante sus viajes por Estados Unidos, con la intención de ofrecer una oferta única y exclusivo. El número de sistemas de sonido aumentó hasta tal punto que sus seguidores fueron enviados a fiestas organizadas por sistemas rivales para crear problemas y desorden. Estos grupos fueron conocidos como "Dance Hall Crashers". El Ska cobró vida como una música alegre, nacida para hacer bailar a la gente, en perfecta armonía con el estado de ánimo del pueblo jamaicano tras la independencia de la Corona británica (6 de agosto de 1962). Aunque la situación económica era desastrosa en ese momento, la gente esperaba la redención social y la música ska se convirtió en una especie de banda sonora ideal, un medio para expresar el optimismo y las esperanzas de una vida mejor del pueblo jamaicano. En cuanto a los instrumentos utilizados, las bandas tradicionales de ska generalmente presentaban bajo, batería, guitarra, teclados y vientos (especialmente saxo, trombón y trompeta). A pesar de los primitivos sistemas de grabación, gracias a la determinación y entusiasmo de sus seguidores, Ska se convirtió en la primera música jamaicana verdaderamente comercial, hasta que fue reconocida como la música nacional, dando también su nombre a un estilo de baile típico, el "skanking". El grupo instrumental principal fue sin duda el de los Skatalites, liderado por el trombonista Don Drummond, con quien colaboraron varios músicos virtuosos. Entre los grupos más recientes, que han hecho que el Ska siga siendo un género muy popular, no podemos dejar de mencionar a Ska-p, una de las ska-bands más conocidas y apreciadas del mundo. Del género Ska nacieron otros géneros muy populares y seguidos en todo el mundo: Rocksteady y Reggae y las "ondas musicales" de 2 Tone y Third wawe de Ska (que incluye ska punk). Precisamente en Ska Punk encontramos grupos que es muy difícil no conocer: Madness, pero también la banda de punk-rock de The Clash, que fueron de los primeros en mezclar el ska y el reagge con el rock / punk-rock.

En los años setenta, el ska experimentó un resurgimiento en Inglaterra y también se extendió al continente europeo. Las bandas británicas de ska tocaron de una forma más rápida y nítida que el ska jamaicano. La ropa asociada había sido influenciada por la ropa que usaban los inmigrantes jamaicanos en Inglaterra: sombreros fedora con ropa de hombre gruesa de segunda mano pero de calidad. Las llamativas adiciones a esto consistieron en detalles a cuadros en blanco y negro, corbatas ajustadas, botones y zapatos puntiagudos de tacón bajo. Todo era muy parecido al look de los años cincuenta con un guiño. Bajo los cabezas rapadas de la década de 1960, los peinados de los niños solían ser recortados o afeitados. Esta referencia a la imagen de la moda de los cabezas rapadas llevó a que los eventos de TwoTone se convirtieran cada vez más en un lugar de encuentro para un grupo que también usaba la imagen de los cabezas rapadas: jóvenes extremistas de derecha. Especialmente la banda Madness (el único grupo Ska compuesto íntegramente por músicos blancos, fueron uno de los pocos en lanzar sus discos bajo el sello "Rigidi Record", nombre que hace referencia a la música ska algo rígida, a la cultura británica "rígida "y la famosa" parte superior rígida "en inglés) fue reclamada por grupos en los primeros años como su grupo musica.Que este amor no fue mutuo es evidente por el hecho de que Madness lleva el nombre de una canción del músico negro Prince Buster y que su primer sencillo "The Prince" es un tributo a este pionero del ska. El sello discográfico TwoTone, que fue el centro del renacimiento del ska, también tenía un trasfondo decididamente antirracista.

 

 

El sello fue fundado por Jerry Dammers: un músico políticamente comprometido, que más tarde se hizo conocido como el autor de la canción 'Nelson Mandela Free' y como organizador del evento 'Rock Against Racism'. Sin embargo, los extremistas de derecha agresivos continuaron conectándose con la manía del ska. Su presencia en las actuaciones provocaba con regularidad disturbios y, por lo tanto, fue una de las causas del declive del ska moderno. La música ska se ha superado en parte por una nueva forma de hacer música y un enfoque diferente de la gente hacia la música con fines sociales. identificación. Ska hoy está acurrucado en un rincón. Tiene pocos seguidores entre los nuevos amantes de la música ... sin duda seguirá reduciéndose, pero seguirá siendo muy expresivo.

Thelonius Monk: genio y contradiction

 

Por Aquila Blinker

La música vive también en la expresión y la fantasia de sus protagonistas. El jazz por su forma de ser  representa la máxima investigación en el campo del sonido y la armonía.

Raffaella Carrà: l'icona de la musica

 

Por Aquila Blinker

En estos días, la atención y el cariño de la población parecen dirigirse en especial a Raffaella Carrà, fallecida recientemente, y queremos homenajearla destacando dos elementos.

"Raffa" combinó en sí, a un nivel excelente, aunque no de la excelencia absoluta (estoy pensando en la comparación con Mina en Milleluci), muchas cosas: canto, baile, dirección, actuación. Si recuerdan, en estos días, varias canciones que dicen le han abierto el camino a comportamientos más "libres" y a su ser "icónico".

Desde el punto de vista artístico, si Raffaella Carrà entraba en una televisión que se autodenominaba artesanal, todavía ofrecía una propuesta basada en su absoluto respeto por el gusto del público al que necesariamente proponía un espectáculo educado, de cualquier forma ecuménica . Estamos hablando de una televisión liviana de entretenimiento que no acepta la pretensión de comandar su realidad (para la que sirve y reserva) o sustituye a la realidad misma si es en vano.

Esa televisión honesta, sin embargo, permitió lanzar bailes (Il Tuca Tuca) o mensajes transgresores para la época ("Hacer el amor empieza tú"; "Feliz cumpleaños - Qué bonito es hacer el amor desde Trieste para abajo"), siempre y cuando se transmiten con ligereza y sin rudeza. Y de hecho también desde el punto de vista musical, las canciones que hemos mencionado son ligeras, de hecho muy ligeras.

En segundo lugar, en los años setenta Raffaella Carrà “se burlaba” de la figura de la soubrette, la corista, y la definía como una evolución profesional que retrataba a la autora de la autora y la dirección artística de su programa. La soubrette con un mechón rubio apareció en la calle ante las diversas Milly Carlucci, Lorella Cuccarini, Heather Parisi y muchas otras (Loretta Goggi siguió un camino artístico en parte paralelo al de la soubrette Romagna). La Carrà mostró a un artista que dirigirá y actuará en un pre-show además de un programa de entretenimiento televisivo.

 

 

Franco Battiato: el poeta revolucionario de l'alma

Por Aquila Blinker

 

Franco Battiato fue un alma sensible, un poeta revolucionario y un compositor único.

Llevaba algún tiempo padeciendo una grave enfermedad que, entre otras cosas, lo había sacado de los escenarios. De hecho Franco Battiato se inició como comediante en Milán, en el "Club 64", reconocido por haber acogido a personalidades de el calibre de Enzo Jannacci, Renato Pozzetto, Lino Toffolo y Bruno Lauzi. Cantaba y tocaba la guitarra. Abrió las veladas con canciones y música siciliana que recordaba el estilo barroco. El verdadero inicio de su carrera musical llegó gracias a Giorgio Gaber, quien contribuyó a su lanzamiento en el mundo de la composición italiana, probablemente en el momento de su mayor saturación.

 

El hilo de la llamada "canción protesta" muy popular en la época estaba muy inflado, Battiato logró hacerse un nombre, debutando en el mundo televisivo, debutando en el programa "Diamocidel tu". Dirigido por Giorgio Gaber con Caterina Caselli.

 

Franco Battiato Giorgio Gaber Caterina Caselli

 

El punto de inflexión en su carrera llegó a finales de los 70, cuando decidió abandonar la canción y dedicarse totalmente a la experimentación, comenzando a hacer uso de los sonidos electrónicos. Battiato produjo muchos puestos de trabajo produciendo de forma frenética y desregulada. En el período comprendido entre el '72 y el '75, el sello fue Bla Bla, se lanzaron cinco LP, el primero de los cuales será "Fetus", que ya provocó un escándalo desde que la portada fue censurada (en la portada había un feto) con contimaciones de Aldous Huxley, Paramahansa Togananda y Johann Sebastian Bach. Seguido de "Pollution" (primer récord en entrar en el ranking), el mismo año, en el que continúa la influencia de Huxley, y que será su primer trabajo en entrar en las listas de discos más vendidos, alcanzando el quincuagésimo noveno lugar. Por otro lado, "Sulle corde di Aries" será la obra más exitosa de su primera fase: en ella se mezclan repetición, minimalismo, música acústica de estilo oriental y sonidos electrónicos, y comienza a mezclar instrumentos del sonido clásico con un sabor a rock.

 

El cierre de Bla Bla, su primera discográfica, llevó a Battiato a unirse a Dischi Ricordi. Aquí colaboró con Giorgio Gaber para "Cría de pollos" y luego abrió una nueva sociedad musical con Giusto Pio, creando obras que lo llevarán a lo más alto de las listas musicales: "La era del jabalí blanco" y "Patriotas" que reflejó las contaminaciones artísticas y culturales para luego pasar a "La voz del maestro", resultado del descubrimiento del escritor Gurdjieff. Esta es probablemente la obra más querida de Battiato, ya que contiene sus éxitos más aclamados y famosos, "Bandiera Bianca", "Los pájaros", "Cuccurucucù" y "Centro de gravedad permanente".

 

 

El récord alcanzó la cima de las listas italianas, permaneciendo allí durante casi siete meses, dando paso solo a su trabajo posterior, "Noah's Ark". Este fue el primer disco italiano en superar el millón de copias vendidas, recibiendo importantes premios como la "Gondola d'oro" y es colocado por Rolling Stone en el segundo lugar en el ranking de los 100 álbumes italianos más bellos de todos los tiempos, solo superado por "Bollicine". de Vasco Rossi.

 

Este fue el período en el que Battiato supo construir su éxito a nivel nacional e internacional y en el que se multiplican las asociaciones artísticas: una de las más importantes será la de Alice, que sufrirá la influencia de Battiato hasta tal punto que para cambiar por completo su estilo artístico, como se puede ver en el primer álbum lanzado después del encuentro, "North Cape".

De esta colaboración nacerá "Per Elisa", que le permitirá ganar el Festival de San Remo 1981, y actuará a dúo "Chan-Son Egocentrique" y "Los trenes de Tozeur", este último arreglado por Giusto Pio, y con el que expondrá en Eurovisión en 1984 alcanzando el quinto lugar. En los últimos tiempos cabe recordar el directo realizado en Roma en 2016, del que salió un disco, y en el que se recogen los grandes éxitos, a veces rehechos a dúo (como "Nevski Prospect").

 

La experimentación para el cantautor nunca dejó de tocar también modalidades posmodernas hechas de new wave. Así como las inspiraciones interartísticas que lo llevaron en el espacio de tres años, desde la literatura cyberpunk de "Lost Horizons", en la que se eliminan totalmente los instrumentos clásicos, y "Mundos muy lejanos", para luego volver a los orígenes, con "Fisiognomica" que vio el regreso de instrumentos, líricas y arreglos en siciliano.

En la última parte, la producción se volvió brillante pero también confusa. Al "Maestro" le encantaba viajar entre conceptos filosóficos y contaminaciones étnicas, alternando producciones en solitario, con exploraciones de la música rock, retornos a las vanguardias y la música pop.

 En 1997, junto a Manlio Sgalambro, se estrenó probablemente la pieza más famosa de toda su producción, “La cura, ganadora de un doble disco de platino y traducida y cantada en muchos idiomas.

En los años siguientes Battiato seguirá produciendo y actuando en conciertos hasta que la enfermedad se lo impidió.

¿Qué decir de él?: un artista maravilloso que siempre ha caracterizado su estilo por la búsqueda de la evolución y la inspiración de contaminaciones artísticas y musicales intransigentes, guiado en su camino por la emoción que le da un trabajo profundo sobre sí mismo.

 

 

1972 – Fetus (Bla Bla)
1972 – Pollution (Bla Bla) -
1973 – Sulle corde di Aries (Bla Bla)
1974 – Clic (Bla Bla)
1975 – M.elle le "Gladiator" (Bla Bla)
1977 – Battiato (Dischi Ricordi)
1978 – Juke Box (Dischi Ricordi)
1978 – L'Egitto prima delle sabbie (Dischi Ricordi)
1979 – L'era del cinghiale bianco (EMI Italiana)
1980 – Patriots (EMI Italiana)
1981 – La voce del padrone (EMI Italiana)
1982 – L'arca di Noè (EMI Italiana)
1983 – Orizzonti perduti (EMI Italiana)
1985 – Mondi lontanissimi (EMI Italiana)
1988 – Fisiognomica (EMI Italiana)
1991 – Come un cammello in una grondaia (EMI Italiana) 
1993 – Caffè de la Paix (EMI Italiana)
1995 – L'ombrello e la macchina da cucire (EMI Italiana)
1996 – L'imboscata (Mercury Records)
1998 – Gommalacca (Mercury Records)
1999 – Fleurs (cover + inediti) (Mercury Records)
2001 – Ferro battuto (Sony Music)
2002 – Fleurs 3 (cover + inedito) (Sony Music)
2004 – Dieci stratagemmi (Sony Music)
2007 – Il vuoto (Universal Music)
2008 – Fleurs 2 (cover + inedito) (Universal Music)
2009 – Inneres Auge (nuove versioni + cover + inediti) (Universal Music)
2012 – Apriti sesamo (Universal Music)
2014 – Joe Patti's experimental group (Universal Music)
2019 – Torneremo ancora (nuove versioni + inedito) (Sony Music)

Album en vivo
1989 – Giubbe rosse (con inediti) (EMI Italiana)
1994 – Unprotected (EMI Italiana)
1995 – Live '75 (con il gruppo Telaio Magnetico) (Musicando/Black Sweat Records)
2003 – Last Summer Dance (Sony Music)
2005 – Un soffio al cuore di natura elettrica (Sony Music)
2007 – Niente è come sembra (Bompiani)
2013 – Del suo veloce volo (con Antony and the Johnsons) (Universal Music)
2016 – Live in Roma (con Alice) (Universal Music)

Opere
1987 – Genesi (Fonit Cetra)
1992 – Gilgamesh (EMI Classics)
1994 – Messa arcaica (EMI Classics)
1994 – Il cavaliere dell'intelletto (inedita)
2011 – Telesio (Sony Classical)
Colonne sonore
1990 – Benvenuto Cellini. Una vita scellerata (EMI Italiana) – sceneggiato di Giacomo Battiato
1992 – Plantage Allee (con Rens Machielse) (EMI) – serie TV olandese di Guido Pieters
2000 – Campi magnetici (Sony Classical) – balletto; regia di Paco Decina
2003 – Perdutoamor (Sony Music) – raccolta di canzoni di Battiato e altri artisti; i brani musicali composti per il film sono inediti

Teatro
1977 – Baby Sitter – di Franco Battiato e Peppo Delconte
1981 – Cinema Astra – di Franco Battiato
1981 – Famiglia Horror – di Antonio Sixty
1982 – Kappa – di Gian Marco Montesano
1983 – Quello Stolfo da Ferrara – di Velia Mantegazza
1985 – Barbablù – di Velia Mantegazza
1985 – Il viaggio di Astolfo – di Velia Mantegazza
1989 – Campo di battaglia: il cuore umano – di Camilla Migliori
1990 – Empedocle – di Melo Freni
1990 – I persiani di Eschilo – di Mario Martone
1991 – Il giorno della civetta – di Giancarlo Sbragia
1995 – Il girifalco dell'harem – di Giorgio Albertazzi
1996 – Cantata per la festa dei bambini morti di mafia – di Geppy Gleijeses
1996 – Ventitré e venti – di Carlo Quartucci
1998 – Gli Schopenhauer – di Franco Battiato e Manlio Sgalambro
2001 – I Navigli, la nostalgia, il sogno – di Melo Freni
2008 – La Costituzione in dieci colori – di Renzo Sicco e Lino Spadaro
2011 – Diwan – di Franco Battiato
2013 – Malaluna – di Rosy Canale
2015 – Mais ce n'est pas encore la nuit – di Isabella Caserta e Cathy Marchand
2015 – La lupa – di Guglielmo Ferro
Cinema
1993 – In nome di Dio – documentario di Piero De Pasquale
1993 – Il giorno di san Sebastiano – film di Pasquale Scimeca
2005 – Musikanten – film di Franco Battiato
2007 – Niente è come sembra – film di Franco Battiato
2008 – Non chiederci la parola – documentario di Elisabetta Sgarbi
2009 – L'ultima salita – documentario di Elisabetta Sgarbi
2009 – Deserto rosa – documentario di Elisabetta Sgarbi
2012 – Il viaggio della signorina Vila – film di Elisabetta Sgarbi
2012 – Piero Guccione, verso l'infinito – docufilm di Nunzio Massimo Nifosì
2013 – Racconti d'amore – film di Elisabetta Sgarbi
2014 – Per soli uomini – documentario di Elisabetta Sgarbi
2015 – Colpa di comunismo – documentario di Elisabetta Sgarbi
2015 – Il pesce rosso dov'è? – documentario di Elisabetta Sgarbi
2015 – Con te e senza di te – cortometraggio di Lucia Sardo

El jazz en SL: un rincon de fantasia o mas

Por Aquila Blinker

Cuando entré en Second Life en 2008, llegar a trabajar en un Jazz club como Frank's,  Bogart's, Phat Cat's o Branagh’s como manager o host representaba el top . Asi como cantar o pinchar era un suceso reconocido. Eres parte del Circus Barnum de la música del Metaverso. En los primeros años de SL, los clubs de jazz fueron la ocasion para mucha gente de conocer de una forma menos académica el Jazz.  Entrando en cualquier ballroom se  escuchaba siempre la misma canción. At Last de Etta James que dice “….At last, my love has come along. My lonely days are overAnd life is like a song, Ooh yeah, yeah…” (…Al fin, mi amor ha llegado. Mis días de soledad han terminado, Y la vida es como una canción..). Si, era romantico y cada una de las personas que bailaban cerrando los ojos tenían un sueño. Pero era mas que una emoción, era una liturgia que empezaba con el dress code y reglas no escritas de comportamiento que en estos años hiceron ejemplo y escuela. Yo amo el Jazz en rl y también en Second Life. He empezado a trabajar en un Jazz club n Itland, un sim italiano donde tenia un amigo owner. Recuerdo el día que me comprè mi primer tux y la primera noche en el Jazz club. Después he tenido dos Jazz clubs. ¿Una Locura? Pues si. El Salt Peanuts Jazz Club y el Minor Swing. En años diferentes cuando tenia una fuerte colaboración con amigos americanos en  el arte y música. Así staff y demás de nivel internacional (Estados Unidos, Canada, Israel, Francia, Reino Unido, Japón por ejemplo y gastos y horarios americanos). 

 

Después de algunos anos cerré el Salt Peanuts (es un titulo de una canción de Dizzy Gillespie) antes y el Minor Swing (es el titulo de una cancion de Django Reinhardt) después, por la misma razón de otros clubs. Yo quería un Jazz club y cantantes en vivo. Y así fue.  Meses de sesiones libres con gente de nivel y demás siempre en la pista. Después del boom de los primeros años de Second Life faltaba la gente y las sesiones con mas de 20 o 30 avatares.. Los grandes owners para mantener los grandes clubs y poder pagar a los dj's los dueños tenían tiendas, sobre todo tiendas de grandes marcas, y esas tiendas empezaron a quedarse vacías con la crisis. Así los clubs medios como los mios.

 

El Jazz sigue en SL, en forma diferente, menos clubs y meno gente y es muy importante porque debe pasar el messaje que aquí todo es posible también ahora, también hablando y tratando de Jazz.

Lo que puede gustar en e Jazz está en su imperfección. En Jazz, la partitura es solo el punto de donde empezar. Partimos de la norma, es decir, de las notas escritas en la partitura, para ir en busca de otras cosas. Otras cosas que no sabe antes de empezar. El intérprete es también el compositor de la pieza que está interpretando. Esta es la filosofía del sonar música y de interpretar también la vida en Second Life. Tener una partitura y saber interpretar el sentido y tratar una forma de osmosis con los demás que se den siempre respetar y escuchar mucho mas cuando sussuran que cuando hablan.

Jethro Tull: revolucion y inovacion

Por Aquila Blinker

Steve Harris, bajista, fundador y cerebro de Iron Maiden, una de las bandas históricas del heavy metal dice que su banda favorida son los Jethro Tull, porque son innovacion pura.

Jethro Tull es la band de la innovación musical de finales de la década de 1960, representa el primer grupo en crear una mrzcla consciente entre clásica, jazz, folk y rock, partiendo de una sólida base de blues.

 Anderson juega con la fantasia sacando una flauta  Si una flauta ¿Pero qué hace una flauta entre una guitarra eléctrica, un bajo y una batería? Un instrumento que nada tenía que ver con el rock, y poco que ver con el jazz, pero que de la mano de Ian Anderson se convirtió en un instrumento punzante, agresivo y rockero.

Anderson asi inventa su propio estilo de tocarlo, se inspira en el jazzista Roland Kirk, imita la guitarra de Eric Clapton y se refiere a la técnica del 'sonido hablado', desarrollada por Sam Most y perfeccionada por Kirk, que además de soplar fuerte, habla y canta en la boquilla.

 

Prueba de ello es el primer disco This Was (1968), con un equilibrio aún por perfeccionar entre los distintos estilos que la banda incorpora a sus canciones.

La producción de los primeros años, como suele suceder, es la más significativa, donde de disco en disco el sonido se afina y se fusiona cada vez más. Analicemos tres de ellos. Uno de los picos compositivos se alcanza con Aqualung (1971), un disco fuertemente caracterizado por un potente folk rock, en el que la banda comienza a abrirse a soluciones más complejas y extensas, convirtiéndose en el primer trabajo marcadamente progresivo con un conjunto complejo, rítmicamente variado. y estructura irregular.

Thick As A Brick (1972) es un álbum conceptual de una sola pista (42 minutos) distribuida en ambos lados del vinilo. Una obra de rock poderosa, salpicada de una miríada de juegos de palabras, referencias literarias e ironía al estilo de Monthy Pyton. La pieza vive de unos temas principales que se suceden, se desarrollan, conectan, se repiten con diferentes textos y arreglos en un maravilloso equilibrio en el que se evidencian todos los instrumentistas.

Unos meses más tarde se estrena A Passion Play (1973). Es puro progresivo, la evolución hacia este estilo se completa definitivamente, va más allá de la ópera rock, conceptualmente va hacia proporciones incluso operísticas. Obra oscura, esotérica, controvertida y criticada, que se acerca a la representación del Misterio de la Pasión. Partituras tortuosas donde hay de todo y lo contrario de todo: voces sólidas, partes eléctricas y acústicas, cambios bruscos de ritmo, contratiempos, arpegios de órgano que encajan en frases de guitarra, oasis de paz y delirios. Todo esto en cuestión de minutos, 45 y unos segundos para ser exactos.

Jethro Tull, con el núcleo duro del progresivo británico representado, entre otros, por Genesis, King Crimson, Yes, Emerson Lake & Palmer, Van Der Graaf Generator y, por otro lado, Pink Floyd, ha influido profundamente en al menos dos escenarios. El del progresivo italiano, en el que bandas como Pfm, Banco del Mutuo Soccorso, New Trolls, Le Orme y, en menor medida, Area se inspiraron en el prog británico, al menos al principio, para luego embarcarse por su cuenta y caminos más originales. La segunda escena es la del metal progresivo, que surgió al atardecer de los 80 con el trío Dream Theater, Fates Warning y Queensryche. Crecieron escuchando progresivo británico en dosis masivas, que luego combinaron con heavy metal para crear desde cero un estilo que es a la vez poderoso y refinado, épico e íntimo.

 

Ian Anderson hace tiempo a quien le pedia si la musica cambia …” Sin duda, 50 años después es difícil reinventar el rock. La era dorada de la música clásica abarca alrededor de un siglo, desde el siglo XVIII hasta el siglo XX, pero la música clásica más popular es la de hace unos 200 años. Lo mismo ocurre con el rock, su época dorada va desde los 60 hasta finales de los 70. Hoy el rock es más o menos igual que hace 50 años, es difícil de reinventar. Recordamos a los dos hombres que aterrizaron en la luna, y aunque hubo muchas más misiones científicamente importantes en los años venideros, recordamos las originales. Una flauta mía en 2011 fue tocada en el espacio por el astronauta Cady Coleman, quien hizo un dueto conmigo en la tierra. Posiblemente esto suceda en otras ocasiones, pero luego diremos: "Sí, ya hemos escuchado esto".

El si fue revolucionario y su musica es la de ayer y de hoy, y la suya revolucion hoy es historia.

“Jethro Tull fue un agricultor inglés del siglo XIX que inventó una sembradora ... el primer proceso automático en el que se hicieron pequeños agujeros en la Madre Tierra y se depositaron semillas aún más pequeñas una a la vez y se cubrieron cuidadosamente como lo hace un gato. después de haber sido travieso ”

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